Россия

История художественной культуры Сибири, сердцевиной которой является прикладное и изобразительное искусство, измеряется тысячелетиями – от первых образцов изобразительной деятельности человека позднего палеолита и последующих эпох. Древнее и средневековое искусство Сибири находится в контексте искусства и культуры народов Азии, что вполне естественно и оправданно – по причинам не только географическим, но и этнокультурным, ментальным. Принципы плоскостной и параллельной композиции, декоративности, условности рисунка, свойственные древним культурам и искусству Востока и Азии, оказались остро востребованными в начале ХХ века, затем в 1960-е годы.  Финиш ХХ века в изобразительном искусстве Сибири ознаменовался многостилевым торжеством – полистилизмом, вобравшем в себя многовековые традиции искусства Европы, России, Азии, Сибири. Сибирские художники обращались к истокам культуры и искусства коренных народов Азии и Востока. Интерес к прошлому и современному культурному опыту местных этносов обернулся рождением направления, которое на протяжение ХХ века именовалось по-разному: «сибирский стиль», «северный изобразительный стиль», «сибирская неоархаика» и др.

Одним из представителей «неоархаики» называют известного ханты-мансийского художника Геннадия Степановича Райшева. В его полотнах отражен особый национальный дух и колорит югорской земли.

Г.С. Райшев (1934-2020) – заслуженный художник России, заслуженный деятель культуры Ханты-Мансийского АО. В 1996 году в г. Ханты-Мансийске открыт музей «Галерея-мастерская художника Геннадия Райшева». Произведения Геннадия Степановича хранятся в коллекциях музеев Ханты-Мансийска, Тюмени, Екатеринбурга, Тобольска, Карпинска, Сургута, Салехарда, Перми. Его полотна находятся в частных собраниях в России, Венгрии, Финляндии и Франции. Г.С. Райшев, сын бывалого охотника и рыбака ханты и чалдонки, открыл для отечественной живописи «незнакомый стиль» древнего сибирского народа. Внес свой вклад в, казалось бы, устоявшиеся фольклорные представления об Обском севере, создал свой образный язык живописи.

Творчество Райшева - синтез фольклорно-природной, архаической основы, русской художественной культуры и современной европейской изобразительности. Художник наполняет свои холсты всевозможными формами проявления жизни. Панорамы-путешествия по владениям своей земли сменяются «крупными планами» с мягким ковром благоухающей земли, где живут девушки-черемухи, женщины-морошки, травяные мужики и вездесущие утки. Образы природы и человека неожиданно и естественно переходят из одной картины в другую, мифологизируются на глазах.

 Казахстан

В культуре казахов развивались такие типичные для кочевых скотоводческих обществ виды декоративно-прикладного искусства как художественная обработка металла, кости, войлока, кожи, резьба и роспись по дереву, мелкая пластика, камнерезное искусство. Традиционное искусство казахов было неотделимо от их бытового уклада и мировоззрения, отличалось устойчивостью художественных канонов, высоким уровнем декоративности и символизма. Значимость предметов традиционной культуры соотносилась с их художественным оформлением; была закономерная связь декора предметов с их функциональным назначением, местом в жилище, ролью в ритуале.

Главным художественным средством казахского искусства являлся орнамент. 

Считается, что наиболее устойчивые орнаментальные композиции являлись специфическим отражением реалий окружающего кочевников-степняков мира, выражением их наиболее значимых представлений и понятий. Специфику казахской орнаментики определяли особенности ресурсного потенциала территорий, сложившиеся модели хозяйствования с преобладанием тех или иных технологий (деревообработки, войлокваляния, ковроткачесвта и т.д.), опыт культурных контактов и освоения инноваций.

В настоящее время происходит переосмысление традиционных орнаментальных форм казахского искусства. Их широко применяют в архитектуре (барельефы, монументальные панно), в росписях, в керамике, искусстве гобеленов и декорирования тканей. Орнаментальное искусство казахов в наши дни развивается благодаря творческому поиску современных художников и народных мастеров, наполняется новым содержанием, преобразуется в новые виды и жанры.

 Современное искусство Казахстана – это уникальное явление, объединяющее в себе традиции и инновации. Влияние местной культуры и истории, смешиваясь с глобальными тенденциями, создает уникальный художественный язык. Это искусство не только отражает культурное наследие страны, но и реагирует на современные социальные и политические процессы. Особенностью этого искусства является его многогранность: от глубокого уважения к национальной истории и традициям до активного включения в мировые художественные дискурсы. Казахстанское искусство не ограничивается одним направлением или стилем; оно включает в себя разнообразные формы выражения – от живописи и скульптуры до видеоарт и уличного искусства.

Современное искусство Казахстана находится в постоянном развитии, оно активно взаимодействует с мировыми художественными тенденциями и одновременно сохраняет свою уникальную идентичность. Тенденции, такие как социальная актуальность, эксперименты с новыми Тенденции современного искусства Казахстана говорят о его динамичном развитии и стремлении к инновациям. Сочетание традиционного и современного, использование цифровых технологий и отражение актуальных социальных тем позволяют казахстанскому искусству занять уникальное место на мировой арт-сцене. Эти тенденции не только обогащают культурное пространство страны, но и способствуют диалогу между разными культурами и эпохами. Казахстанское искусство активно формирует свою идентичность, демонстрируя своё многообразие и глубину, и представляет собой важный вклад в мировую культуру.

 Художники Казахстана, получив полную свободу творчества, сохранили преемственность и самобытность. Классическая живопись демонстрирует колорит, мифологию, древние верования и современные культурные приоритеты жителей Великой Степи.

Одним из самых известных и заметным художником современного Казахстана называют Досбола Касымова.

Он признанный мастер станковой живописи родом из Северного Казахстана. Высшее образование Касымов получил в театрально-художественном институте Алматы (окончил в 1986 году). Удостоен звания Заслуженный деятель искусств Казахстана. Досбол Касымов известен как один из разработчиков дизайна тенге, создатель портретной серии «Выдающиеся личности Казахстана», автор юбилейных монет, отчеканенных к 150-летию Абая. Работы мастера выставлены в музеях Кореи, Великобритании, России, Австралии. Касымов остается приверженцем реализма, любимый жанр автора — портрет. Художник в своих работах стремится показать человека в гармоничном единении с окружающим миром.

Художница Лейла Махат черпает вдохновение в традиционном искусстве Казахстана. Любимым объектом отображения для Лейлы остается природа. Ее пейзажи обычно разделены на несколько частей. Чаще это диптихи, реже — триптихи. 

Каждый фрагмент представляет отдельный сюжет, но достаточно сделать шаг назад, и вся композиция сливается в единое, символизируя разнообразие и безграничность мира. Много места в творчестве Махат занимают лошади. К этим животным у художницы особое отношение. Она выписывает их с любовью и большим вниманием к деталям. Животные на ее полотнах красивые, сильные и свободные.

Картины казахстанских художников часто посвящены лучшему другу кочевника — коню. Однако только Женис Нурлыбаев достиг в изображении лошадей ощутимых высот. Талантливый график, живописец и иллюстратор относится к этим благородным животным как созданиям, равным человеку.

Китай

Китайская живопись появилась в глубокой древности, и дата ее возникновения, благодаря новым археологическим находкам, отодвигается все дальше вглубь веков. Китайская живопись гохуа с точки зрения европейца довольно необычна и даже загадочна. Она разительно отличается от европейской живописи. Причем это различие присутствует буквально во всем, в материалах, технике исполнения и в инструментах. Традиционная живопись Китая символична и иносказательна. Если мы привыкли рассматривать картины европейских мастеров, то работы китайских мастеров надо читать и понимать. Тем более, что в Китае живопись и каллиграфия очень близки. В Китае любой художник это каллиграф, а любой каллиграф это художник. И там, и там используется одинаковый линейный способ письма, одинаковые материалы и инструменты: кисть, мягкая пористая бумага из бамбукового или конопляного волокна, тушь и минеральные и растительные краски типа акварели.

Отличительные черты китайской живописи от европейской это то, что здесь не используются объемы, формы, перспектива в привычном для нас понимании, игра теней, не соблюдение пропорций, да и цвета здесь не такие выразительные. Традиционная китайская живопись это в основном монохром и рисунки создаются с помощью линейного рисунка. Еще одно важное отличие китайской живописи от европейской это то, что китайские мастера все свои картины пишут без предварительных эскизов. Для китайской живописи характерно лаконичность, ясная композиция, а также выразительные и ритмичные контуры и конечно же плоскостное исполнение без светотеней. Ещё одной необычной особенностью является пометка картин печатью мастера, которая заменяет личную подпись.

Творения замечательных китайских художников зачастую содержат в себе глубокую философскую концепцию. Жанры в китайской живописи - это прежде всего пейзаж (горы и водоемы), а так же изображение цветов и птиц, портрет и анималистический жанр. Китайские художники стремились передать сущность предметов. Поэтому им были чужды натурализм, стремление к внешнему сходству. Они старались передать лирическое переживание, настроение, возникающее от общения с природой, призывая слиться с ней, постигнуть ее тайны.

В наши дни живопись гохуа значительно расширила свой диапазон и вышла за узкие рамки традиционных тематик, следуя новому времени. Современные мастера художественной кисти наполняют свои полотна, исполненные в стиле гохуа, новым смыслом, живым духом современности. Колоссальные изменения в политической системе Китая в конце двадцатого столетия, привели к грандиозным переменам и в культурной жизни. Новое поколение китайских художников, свободно мыслящих и критически смотрящих на вещи, создало новую китайскую живопись. Благодаря смелым экспериментам с разными стилями, сблизились два мира искусств — Западный и Восточный.

 Что касается современного искусства Китая, оно сегодня находится на мировом уровне. Живопись художников из Поднебесной отвечает современным веяниям в изобразительном искусстве, соответствует нынешним стандартам и отличается прогрессивностью и самобытностью. Многое из того, что существует в современном Китае, сформировалось в первые годы после правления Мао Цзэдуна, который скончался в 1976 году. Эпоха Великого кормчего крайне противоречива. Чего только стоила «великая пролетарская культурная революция» 1966–1976 годов, которая оставила свой след в памяти миллионов китайцев и является на сегодня одним из ключевых «мест памяти» китайского общества, требующих переосмысления и переживания. Представители творческой интеллигенции чуть ли не самыми первыми воспользовались экономическими, политическими и цензурными послаблениями конца 1970-х годов, которые вводились наследниками и преемниками Мао.

Художники попытались осмыслить недавнюю историю страны и общества. Уже в 1979 году в Пекине открылась неформальная уличная выставка «Звёзды», на которой были представлены молодые художники. Содержание картин, разумеется, не отвечало тогдашним требованиям официальных властей к живописи. Неудивительно, что выставку очень быстро закрыли силами пекинских властей. Однако художники проявили настойчивость, да и времена уже изменились, и в сентябре 1980 года авторам все же разрешили вновь открыть выставку. Работы были очень разные по технике выполнения, тематике и стилистике, но все они были непохожи на официальный соцреализм. Были представлены произведения в стиле экспрессионизма, постимпрессионизма, абстракционизма и других направлений. Художники пытались найти собственный почерк, а основной целью своего творчества считали самовыражение. Не обошли они стороной и политическую сторону тогдашней реальности. 

Нельзя сказать, что китайская живопись сразу, моментально отказалась и от тысячелетней художественной традиции, и от практик соцреализма и перешла на чисто модернистские рельсы. Развитие происходило постепенно. Сначала стало меняться содержание, при этом форма оставалась прежней. Первые направления современной китайской живописи, из которых затем появились и другие течения, — это «деревенский реализм» и «живопись шрамов».

Изначально они в смысле технологии ничем не отличались от полотен маоистской эпохи: это был классический, традиционный реализм. Однако темы сменились. Вместо героев революции, Гражданской войны и культурной революции, лидеров партии и правительства стали изображать простых деревенских, сельских и городских жителей. Вместо помпезно-парадных сюжетов — бытовые сцены. Это направление и получило название деревенского реализма. Одним из самых популярных представителей направления является Ло Чжунли, а наиболее известная его работа — «Отец».

Художник изображал на картинах простых людей, жителей центра, севера и северо-запада страны, причем без пафоса и прикрас, такими, какие они есть в жизни.

Что же до живописи шрамов, то уже само название этого течения намекает на связь с культурной революцией. Авторы пытались выразить свое отношение к ней не столько как к политическому событию или даже преступлению, а сколько как к человеческой трагедии и общей травме. Художник Чжан Сяоган пытается осмыслить психологический контекст недавней трагедии. Чжан выбрал для своих работ очень необычную технику, что делает его своеобразным «мостом» между классическим реализмом и модернизмом в китайской живописи.

Больше всего он известен серией работ, выполненных в стилистике черно-белых фотографий. Это портреты: либо семейные, либо парные (друзья, супруги, родственники), либо одиночные. Все взрослые, до мелких деталей похожие друг на друга герои, одеты в стандартные френчи и платья маоистских времен. Их глаза, по сути, ничего не выражают, ни единой эмоции.

В 1980-е годы китайское изобразительное искусство стало меняться. На нее стала влиять западная живопись, а также экономическая и относительная политическая свобода внутри страны. Важным и по-своему рубежным стал 1985 год. Тогда в Китае прошло несколько крупных культурных мероприятий: были представлены картины Роберта Раушенберга (одного из самых известных представителей западного концептуализма и поп-арта того времени), прошла новая выставка работ молодых художников и была организована конференция, участники которой продвигали идею свободного от политики творчества. В результате появилась группа художников «Новая волна 85», которая устраивала перформансы и проводила творческие эксперименты, стараясь двигать китайскую живопись в сторону поп-арта и концептуализма. Так, по мнению исследователей, в Китае стало формироваться нереалистическое направление, существующее и поныне.

Однако все равно изобразительное искусство старалось быть актуальным и отвечать на вызовы эпохи. 1990-е годы в Китае были непростым временем. В стране стали бурно развиваться рыночные отношения, которые приносили с собой не только прибыль и разнообразие ассортимента на полках магазинов, но и конкуренцию, а также культ потребления.

Для китайских художников это десятилетие стало временем трудных искушений. С одной стороны, капитализм давал им все возможности: живопись покупалась и продавалась, открывались частные музеи и галереи, правительство особо не вмешивалось в дела художников, и в целом они могли существовать безбедно. Однако многие из них чувствовали, что в новых условиях китайское общество неконтролируемо скатывается в бессмысленное потребление в ущерб экологии, культуре, ценностям. Художники осмысляли это по-разному. Во-первых, как раз тогда стали появляться поселения свободных художников («деревни») в Пекине, Шанхае, куда устремлялись авторы, жаждавшие свободы и творчества без оглядки на ценники и пожелания музеев, галерей и богатых покупателей. А во-вторых, появилось два направления, которые стали ответом на вызовы времени.

Первое — «политический поп-арт». Ярчайшие его представители — Ван Гуанъи и братья Гао. Первый, например, создал серию «Великий критицизм», где в пародийной, иронической форме соединил плакаты времен культурной революции с рекламой известных западных брендов вроде «Кока-колы», «Шанель» и «Феррари».

Что же касается братьев Гао Чжэня и Гао Цяна, то предметом их творчества стал председатель Мао и вообще власть. Братья сосредоточились на создании скульптур, многие из которых выставить на родине невозможно.

Вторым новым направлением стал циничный реализм. Это течение знают прежде всего по работам одного из самых высокооплачиваемых китайских художников в мире, Юэ Миньцзюня.

Он знаменит тем, что изображает в людей гротескной форме: они неестественно, гиперболизировано широко улыбающихся в самых разных ситуациях: на общей демонстрации, перед расстрелом, во время стрижки кустов. Герои полотен Юэ пугают, кажутся сумасшедшими, а излишне яркие, порой кислотные цвета усиливают эффект. Самое интересное, что, по словам художника, все его работы — это автопортреты. Искусствоведы полагают, что напугать зрителя, ввести его в состояние дискомфорта — это и есть цель автора. Он пытается через такой абсурд передать саму абсурдность современности и реакцию людей на нее. Неадекватную реакцию на неадекватную реальность.

В 1990-е и особенно в 2000-е годы в китайской культуре стали активно развиваться инсталляция и перформанс. Международно признанными стали инсталляции Ая Вэйвэя, одного из самых известных китайских авторов современности. Самая известная его работа — «Семена подсолнечника». 

Она представляла собой 100 миллионов непохожих друг на друга небольших семечек, изготовленных из фарфора и вручную окрашенных в черный цвет. По представленному в 2010 году в Лондоне «ковру» из семян подсолнечника мог пройти любой желающий. Семечки символизировали китайцев, а вся инсталляция — китайское общество. Идея ставила перед посетителями вопрос о роли человека в социуме.

Уже в 1990-е годы китайские художники стали посещать мировые выставки, например, Венецианскую биеннале. А в начале 2000-х китайские власти стали активно поощрять отечественных авторов выставляться на международных площадках, тем самым популяризируя китайское искусство на Западе и вообще в мире. В 1996 году была основана Шанхайская биеннале, первая в стране, а чуть позже — выставочные фестивали в Пекине и Гуанчжоу.